Nao Bustamante
(San Joaquin Valley, California vive y trabaja en Rochester, Nueva York)
America The Beautiful, 2002
MACG museo de arte Carrillo Gil
El MACG, fue fundado por el Dr. Álvar Carrillo Gil, ya que buscaba albergar y exhibir su colección de arte. Esta colección de arte contemporáneo está conformada por 358 obras, estas van desde pinturas y grabados, hasta, videos e instalaciones.
Durante este mes hay diversas exposiciones, como Doblar sobre la línea/Fold along the line deGuy Ben-Ner. Él ha utilizado como metodología de trabajo, filmaciones de video donde él mismo y su familia actúan como protagonistas. Sus obras plantean una continua negociación entre la creación de la identidad individual y las relaciones existentes entre los sujetos al poner en práctica situaciones de cohabitación. Ben-Ner parte de lo micro para analizar convenciones y arquetipos sociales que convierten sus historias íntimas y personales en pasajes reconocibles para el espectador.
Otra de estas exposiciones son Microscopías, representa un ensayo sobre las formas orgánicas de los lenguajes abstractos, que toma como referencia teórica la conferencia titulada: Lo natural en el arte abstracto, que ofreció el Dr. Carrillo Gil en el Palacio de Bellas Artes en 1963. De esta manera, los artistas crean sus propias representaciones del mundo usando las formas orgánicas e inorgánicas de la naturaleza. Dentro de esta exhibición se pueden encontrar piroxilinas de David Alfaro Siqueiros, óleos de Wolfgang Paalen, reproducciones de Wassily Kandisnky y de Paul Klee.
Y finalmente a la exposición que le dedique una mayor importancia fue a Arte ≠ Vida, Acciones por artistas de las Américas, 1960–2000, Curaduría de Deborah Cullen.
Esta exposición inicialmente fue organizada por el Museo del Barrio, de Nueva York, esta es la primera en ofrecer artes en acción y performance, realizadas en las últimas décadas. Es rescatable porque incluye a artistas latinos que residen en Estados Unidos, de Puerto Rico, La Republica Dominicana, Cuba, México, Centro y Sudamérica.
En la pagina museodeartecarrillogil.com, encontré una referencia de esta exposición, considero citar estos dos pequeños párrafos[1], donde describe lo que es acción y la narrativa que contiene estas obras, ya que es muy importante resaltar su estética y su intencionalidad:
Las acciones son acontecimientos interactivos que se desarrollan en la calle u otros espacios públicos, en museos, galerías o sitios privados, y generalmente hacen uso del cuerpo del artista y/o su sustituto en relación directa con un público que participa en ellas de manera consciente o inconsciente.
Difieren de una narrativa teatral a gran escala (que separa a los artistas del público), de la danza, de las lecturas literarias, de las actividades tradicionales de arte folklórico, o de las acciones políticas directas sin intenciones artísticas explícitas, aunque en muchos casos, tienen raíces comunes y usan estrategias parecidas. Las acciones en las que se enfoca esta exposición fueron creadas por artistas con una intensa trayectoria de prácticas preformativas, o quienes realizaron eventos puntuales de tal importancia, que se convirtieron en referencias obligadas.
Como notamos las acciones que se emplean en estas obras, nos remite automáticamente al arte contemporáneo, y por ende al Happenings y Performance. Es por ello la importancia de situar la temporalidad artística de estas obras.
El MACG, fue fundado por el Dr. Álvar Carrillo Gil, ya que buscaba albergar y exhibir su colección de arte. Esta colección de arte contemporáneo está conformada por 358 obras, estas van desde pinturas y grabados, hasta, videos e instalaciones.
Durante este mes hay diversas exposiciones, como Doblar sobre la línea/Fold along the line deGuy Ben-Ner. Él ha utilizado como metodología de trabajo, filmaciones de video donde él mismo y su familia actúan como protagonistas. Sus obras plantean una continua negociación entre la creación de la identidad individual y las relaciones existentes entre los sujetos al poner en práctica situaciones de cohabitación. Ben-Ner parte de lo micro para analizar convenciones y arquetipos sociales que convierten sus historias íntimas y personales en pasajes reconocibles para el espectador.
Otra de estas exposiciones son Microscopías, representa un ensayo sobre las formas orgánicas de los lenguajes abstractos, que toma como referencia teórica la conferencia titulada: Lo natural en el arte abstracto, que ofreció el Dr. Carrillo Gil en el Palacio de Bellas Artes en 1963. De esta manera, los artistas crean sus propias representaciones del mundo usando las formas orgánicas e inorgánicas de la naturaleza. Dentro de esta exhibición se pueden encontrar piroxilinas de David Alfaro Siqueiros, óleos de Wolfgang Paalen, reproducciones de Wassily Kandisnky y de Paul Klee.
Y finalmente a la exposición que le dedique una mayor importancia fue a Arte ≠ Vida, Acciones por artistas de las Américas, 1960–2000, Curaduría de Deborah Cullen.
Esta exposición inicialmente fue organizada por el Museo del Barrio, de Nueva York, esta es la primera en ofrecer artes en acción y performance, realizadas en las últimas décadas. Es rescatable porque incluye a artistas latinos que residen en Estados Unidos, de Puerto Rico, La Republica Dominicana, Cuba, México, Centro y Sudamérica.
En la pagina museodeartecarrillogil.com, encontré una referencia de esta exposición, considero citar estos dos pequeños párrafos[1], donde describe lo que es acción y la narrativa que contiene estas obras, ya que es muy importante resaltar su estética y su intencionalidad:
Las acciones son acontecimientos interactivos que se desarrollan en la calle u otros espacios públicos, en museos, galerías o sitios privados, y generalmente hacen uso del cuerpo del artista y/o su sustituto en relación directa con un público que participa en ellas de manera consciente o inconsciente.
Difieren de una narrativa teatral a gran escala (que separa a los artistas del público), de la danza, de las lecturas literarias, de las actividades tradicionales de arte folklórico, o de las acciones políticas directas sin intenciones artísticas explícitas, aunque en muchos casos, tienen raíces comunes y usan estrategias parecidas. Las acciones en las que se enfoca esta exposición fueron creadas por artistas con una intensa trayectoria de prácticas preformativas, o quienes realizaron eventos puntuales de tal importancia, que se convirtieron en referencias obligadas.
Como notamos las acciones que se emplean en estas obras, nos remite automáticamente al arte contemporáneo, y por ende al Happenings y Performance. Es por ello la importancia de situar la temporalidad artística de estas obras.
Ya en el recorrido de esta exposición me llamo la atención un segmento titulado Señalamientos, Arte Vivo-Dito, de Alberto Greco. Indagando un poco en él encontré que en Génova publicó el Manifesto Dito dell' Arte Vivo, el 29 de julio de 1962. Entre otras cosas declaraba: "El arte vivo es la aventura de lo real. El artista enseñará a ver no con el cuadro sino con el dedo. Enseñará a ver nuevamente aquello que sucede en la calle. El arte vivo busca el objeto pero al objeto encontrado lo deja en su lugar, no lo transforma, no lo mejora, no lo lleva a la galería de arte. El arte vivo es contemplación y comunicación directa. Quiere terminar con la premeditación, que significa galería y muestra. Debemos meternos en contacto directo con los elementos vivos de nuestra realidad. Movimiento, tiempo, gente, conversaciones, olores, rumores, lugares y situaciones. Arte Vivo, Movimiento Dito. Alberto Greco."
El Arte Vivo es la acción de "señalizar" a algún personaje, marcado a su alrededor con un círculo de tiza o con algún otro grafismo similar. Es posible que en esto se encuentre alguna similitud con la matriz dadaísta de la "apropiación" de objetos preexistentes. Empero, más exactamente, es una práctica estética que puede denominarse "modelo intervencionista", una suerte de cambio de la realidad que tiene una línea genealógica que desde Dadá llega hasta el Fluxus[2].
El Vivo Dito crea situaciones con las cuales se niega la posible existencia de la obra de arte que aún subsistía como un objeto material, historiable. Ahora la acción del artista produce, en realidad, una ampliación de la conciencia del espectador. El proceso ha dejado de ser artístico, no posee contenidos artísticos, es estético por su ampliación de lo sensible.
Aun lado del Arte Vivo-Dito está también otra corriente que me llamó la atención, se trata del Destructivismo, de Kennenth Kemble y el Neoconcretismo, que se sitúa más o menos en la década de 1970 a 1980, periodo que refleja la lucha de clases latinoamericanas, las relaciones entre tierra y cuerpo y el franqueo de fronteras.
Es por ello que en este segmento se encuentran fotografías y cuadros que reflejan esta lucha inalcanzable, así como también, obras artísticas que llevan la misma intencionalidad (protesta, injusticia, hastío).
En comparación con el dadaísmo y el nihilismo[3], esta vanguardia buscaba aproximarse hacia la protesta política, la lucha de clases, los happenings, y no fue tan radical como el dadaísmo o la corriente nihilista.
Siguiendo el recorrido entré al Happening de Allan Kaprow. El fue un pintor estadounidense pionero en el establecimiento de los conceptos de arte de performance.
Allan Kaprow ayudó a desarrollar las instalaciones artísticas y los happenings a fines de los años cincuenta y sesenta. Sus happenings, alrededor de doscientos, fueron evolucionando a lo largo de los años. Con el tiempo, Kaprow cambió su práctica en lo que él llamó «Actividades». A su vez, su obra influye en Fluxus, el arte de performance y la instalación artística.
Finalmente llegue al Performance de Guillermo Gómez-Peña[4] y Coco Fusco[5], El Año del Oso Blanco y dos Undiscovered amerindios Visita Occidente (1992-1994)
The Couple in the Cage: Guatianaui Odyssey.
La pareja en la jaula, fue un proyecto que causó bastante polémica, fue ideado para el Quinto Centenario, en dónde varios espectadores fueron engañados, ya que pensaron que era verdadera esta exposición. Básicamente este “performance” reflexionaba sobre el intercambio intelectual y la larga y vergonzosa tradición de exhibir a nativos o indígenas, como si fueran especímenes, o peor aún como si fueran seres de otro mundo.
Con tintes racistas esta exposición fue presentada en varios países como Estados Unidos, Londres y Australia. Fue manejada como una exposición antropológica o de historia natural, en ella narra la historia de dos aborígenes de una isla del golfo de México, siendo éstos descubiertos por exploradores europeos y encerrados en una jaula de “oro” con una falsa antropología racista basada en imágenes de los nativos. Al presentarlos al público, el narrador les explicaba que supuestamente estos dos sujetos fueron hallados en una isla y que no hablan ingles, pero que si han estrechado una comunicación entre los nativos y los exploradores, por lo que podían hacer lo que se les dijese por una módica cantidad, por ejemplo: si los espectadores los querían ver bailar tenían que pedirlo y pagar unos dólares. Estos supuestos “aborígenes” podían fotografiarse con el público, bailar al ritmo del rap, contar historias “autenticas” y entretener a los asistentes en general, a cambio de unos dólares.
Con estas sencillas actuaciones surgieron diversas respuestas del público. Una de las más importantes, fue el asombro, ya que los espectadores creyeron que hoy en día se enjaulan “nativos” y se exhibieran de manera racista.
Esta provocadora cinta sugiere que el "primitivo" no es más que una construcción de la “historia” occidental, utilizando la ficción para hacer frente a las verdades históricas y a las tragedias que fueron sometidas estas regiones de África y Latinoamérica, ya que si recordamos los orígenes de la conquista, encontramos que nativos de África, Asia y América, fueron llevados a Europa para ser exhibidos y analizados “científicamente” y al cabo del tiempo para ser esclavizados así como también para ser objetos de entretenimiento.
Sin duda esta simulación sirvió de sátira ante los estereotipos culturales. Ya que esta forma de ver a los demás sigue vigente, no por todos aunque si por algunos cuantos, por ejemplo; en algunos países europeos todavía creen que nosotros, o sea los mexicanos, andamos por la vida como Speedy González con nuestro sombrero y bigotes. Pero al final de cuentas es sólo un estereotipo.
Por otra parte, estos archivos documentales (fotos, videos, audios) que se exhiben en la exposición de Arte ≠ Vida son testimonios de acciones artísticas (happenings y performances), que al cabo del tiempo adquieren estatus de obra de arte, ya que como hemos visto en clase, son presentaciones que deberían experimentarse de manera vivencial, ya que en esencia el arte de acción se da por eventos efímeros e irrepetibles, por tanto a lo que nos remiten estas documentaciones son a imaginar el impacto emocional que tuvieron estos eventos.
[1] Estos párrafos fueros extraídos de la página en línea del museo de arte carrillo gil, para mayor información visitar: http://www.museodeartecarrillogil.com/ex_artenoesvida.html.
[2] "Fluxus-arte-diversión debe ser simple, entretenido y sin pretensiones, tratar temas triviales, sin necesidad de dominar técnicas especiales ni realizar innumerables ensayos y sin aspirar a tener ningún tipo de valor comercial o institucional" (George Maciunas). Fluxus (palabra latina que significa flujo) es un movimiento artístico de las artes visuales pero también de la música y la literatura.
[3] El nihilismo es una posición filosófica que argumenta que el mundo, y en especial la existencia humana, no posee de manera objetiva ningún significado, propósito, verdad comprensible o valor esencial superior, por lo que no nos debemos a éstos, El nihilismo hace una negación a todo lo que predique una finalidad superior, objetiva o determinista de las cosas puesto que no tienen una explicación verificable
[4] Guillermo Gómez-Peña nació en la Ciudad de México y se mudó a los EE.UU. en 1978. Es un artista del performance, escritor, activista y educador.He has pioneered multiple media, including performance art , experimental radio, video, performance photography and installation art . Ha experimentado en múltiples medios, incluyendo performance, radio experimental, vídeo, fotografía y arte instalación.
[5] Coco Fusco, es una artista interdisciplinaria y escritora. Ha realizado, conferencias, expuesto por todo el mundo. Es autora de (The New Press, 1995), The Bodies That Were Not Ours y; Writings (Routledge/inIVA, 2001), también es editora del Corpus Delecti: Performance Art of the Americas (Routledge, 1999). Coco Fusco ha presentado vídeos y actuaciones en algunos de los más importantes eventos a nivel mundial, incluyendo la Bienal de Whitney, la Bienal de Sidney, La Bienal de Shanghai, Transmediale, Londres y El Festival Internacional de Teatro.
Agradezco la compañía y traducción de The Couple in the Cage: Guatianaui Odyssey, a Dinorath Mecalco.
visita: http://www.museodeartecarrillogil.com/index.html
Guillermo Gómez-Peña y Coco Fusco
Two Undiscovered Amerindians Visit Madrid, España, 1992
Fotografía por Peter Barker
Imagen cortesía Coco Fusco
Papo Colo
(1947 Santurce, Puerto Rico; vive y trabaja en Nueva York)
Superman 51, 1977
Carretera del lado oeste, Nueva York
Colección de El Museo del Barrio, NY
Donación del artista con apoyo adicional de "PROARTISTA: Sustaining the Work of Living Contemporary Artists," un fondo de la Fundación Jacques y Natasha Gelman, 2003.18.5
Imagen cortesía del artista. © Papo Colo
(1947 Santurce, Puerto Rico; vive y trabaja en Nueva York)
Superman 51, 1977
Carretera del lado oeste, Nueva York
Colección de El Museo del Barrio, NY
Donación del artista con apoyo adicional de "PROARTISTA: Sustaining the Work of Living Contemporary Artists," un fondo de la Fundación Jacques y Natasha Gelman, 2003.18.5
Imagen cortesía del artista. © Papo Colo
Tania Bruguera
(1968 Habana, Cuba; trabaja en Chicago, Illinois y La Habana, Cuba)
The Burden of Guilt, Bienal de La Habana, Cuba, 1997–1999
Coleción El Museo del Barrio, NY
Donación del artísta con apoyo adicional de “PROARTISTA: Sustaining the Work of Living Contemporary Artists,” un fondo de la Fundación Jacques y Natasha Gelman, 2008.10.1
Imagen cortesía de El Museo del Barrio, NY. © 1997 Tania Bruguera
olaaas diego
ResponderEliminaraki pasando a visitar
muy bueno..muy bueno
saludoss
samantha